Staatsoper Stuttgart – Iphigénie en Tauride

Foto ©Martin Sigmund

Als vorletzte Neuinszenierung der aktuellen Spielzeit präsentierte die Staatsoper Stuttgart mit Iphigénie en Tauride eines der größten Meisterwerke der gesamten Opernproduktion von Christoph Willibald Gluck. Inspiriert von der berühmten Tragödie von Euripides, repräsentiert das Werk die Krönung von Glucks musikalischer Karriere, die Frucht der Kombination der musikalischen Erfahrung eines Lebens als Opernspieler und eines Text, das als das Beste angesehen werden kann, das er jemals vertont hat. Musikalisch und dramatisch präsentiert diese Arbeit unglaubliche Aspekte innovativer Modernität. Es ist heute immer noch als eine starke und erfreuliche Musikdrama betrachtet, ohne die notwendigen kulturellen Vermittlungen, um beispielsweise die lyrischen Tragödien von Lully und dem großen Rameau zu würdigen. Die Musik ist exquisit gestaltet, mit weitreichenden Chorpartien und einer prächtigen Instrumentierung für raffinierte Farben. Sicherlich ist dies eines der höchsten Ergebnisse des Musiktheaters des 18. Jahrhunderts, aufgrund der perfekten Kohärenz der dramaturgischen Struktur und der kompositorischen Neuerungen, die alle Opernkomponisten der Epochen nach Glucks entscheidend beeinflussen werden.

In der von Euripides geschriebenen Tragödie, die als Grundlage für den von Gluck verwendeten Text diente, muss Iphigénie jeden Ausländer töten, der am Ufer der Tauriden ankommt, um die Vorhersage des Orakels zu befriedigen. Am Anfang der Tragödie steht Oreste, der Bruder von Iphigénie, der mit seiner Freundin Pilade aus Mykene flieht, nachdem er seine Mutter Clytemnestra ermordet hatte, um den Tod ihres Vaters Agamemnon zu rächen. Dies ist das Schicksal der verfluchten Linie der von Pelops abstammenden Atriden, die seit Generationen dazu verurteilt wurden, den Tod zu verursachen. Als Iphigénie die Identität von Oreste entdeckt, lehnt er sich gegen die durch das Schicksal seiner Familie auferlegten Verpflichtungen des Blutes auf. Will diese Kette von erblichem Blutvergießen von Iphigenie verewigt werden? Im Jahr 1779 schien die von Gluck für Iphigénie en Tauride komponierte Musik eine neue Emotion zu wecken – weder vollständig theatralisch noch vollständig operistisch -, in der seine Zeitgenossen glaubten, die lang erwartete Wiederbelebung der griechischen Tragödie erlebt zu haben. Diese intensive Inszenierung eines großartigen Theaterreformers wie Krzysztof Warlikowski ist eine angemessene Antwort auf die Anforderungen eines Werk eines Komponist, der sich als Reformator des Operntheaters ausgab. Beim Betreten des Raums werden die Zuschauer von unbeweglichen Silhouetten der auf der Bühne wartenden Künstler hinter einem großen Spiegel, der als Vorhang wirkt, begrüßt. In dieser großartigen Inszenierung, die ursprünglich im 2006 vom berühmten polnischen Regisseur für die Opéra de Paris konzipiert wurde, befinden sich die Figuren in der Dämmerung ihrer Existenz und sind immer noch von ihrer Vergangenheit besessen. Zu Beginn wird unser Blick von mysteriösen Blicken auf das, was hinter dem Spiegel passieren könnte, angezogen. Das Theater ist ein Ort der Reflexion und Brechung, der Wahrheit und Illusion, des Sehens und Nicht-Sehens. Einige ältere Frauen gehen hin und her, von hinten bis die Vorhalle. Sie befinden sich, wie wir feststellen in einem Pflegeheim. Griechische Frauen müssen daran denken, sich daran zu erinnern, genau wie trojanische Frauen.

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Die ältere Iphigenie fleht die Götter um Hilfe an. “Grands Dieux! soyez-nous secourables!“. Sie erlebt mit all der psychoanalytischen Charakterisation von Glucks – und Nicolas-François Guillards – Verschmelzung von äußerlichem und innerem Sturm, was geschehen ist, und wir erkennen, dass das, was sie jetzt sucht, ein Ende für alles ist. Dieses Trauma hat sie nie verlassen; Obwohl sie sich immer noch, nicht unähnlich einer Matriarchin der Dallas Tv-Serie, ein Abendkleid trägt, ist sie innerlich zerbrochen und dazu verdammt, diese Schrecken des Krieges, des Opfers und der Familie wieder zu erleben. Die Leiden des Hauses von Atreus wurden nicht mit Elektra beendet. Unter dem Ärger, der Boshaftigkeit, den rührenden Momenten der Fürsorge in ihrem Zuhause bereitet sie sich auf das Ende vor und erreicht es. Gespiegelte Aktion schaut zurück, schaut nach vorne. Wo sind wir? Zurück auf Tauris? Oder bei den stolzen Gesten der alten Frau, einer königlichen Beerdigung? Oder sind wir immer noch Tag für Tag zu Hause und möchten wie sie fast überall und jederzeit fliehen? Zwei Phasen der Zukunft, also keine von ihnen gut, rahmen die “tatsächliche” Aktion ein. Es ist nicht auf banale Weise “erklärt” durch den Rest, aber wir stellen unsere eigenen Verbindungen her, wir hinterfragen, wir kehren entsetzt zurück, nicht zuletzt, wenn diese nörgelnden Orchesterfiguren unseren, ihren rohen Emotionen zum Opfer fallen. Das Geheimnis bleibt jedoch bestehen. Die Skythen sind sicherlich „andere“, ihre Riten sind nicht „unsere“, aber vielleicht sind sie wahrer, weniger beschäftigt, weniger belastet von Vergangenheit und Zukunft, die erlebt oder erdacht wird. Das Ballett des ersten Akts berauscht: Es ist nicht nur nahe, einen Rituel zu bezeugen, den wir nicht verstehen können, sondern wir sehen einen älteren Gefährten von Iphigénie in seiner Mitte, eine stolze Frau, die, zumindest zeitweise, unerschrocken, in Bezug auf ihre Sexualität zuversichtlich ist in ihrem Tanz. Die Wahl, sich die Geschichte als Alptraum vorzustellen, der von alten Menschen wiedererlebt wird, erweist sich als sehr effektiv. Die Schauspielerei von Warlikowski führt zu eindrucksvollen Tragödieneffekten. Eine Inszenierung voller theatralischer Spannung und dramatischer Atmosphäre, die wirklich brillant ist und die gesamte dramatische Aufladung des Stücks völlig hervorhebt.

Foto ©Martin Sigmund

Warlikowskis Inszenierung von Glucks Meisterwerk Iphigénie en Tauride ist nach wie vor eine provokante und lohnende Theatererfahrung, vor allem, wenn sie von einer eindringlicheren und präziseren Orchestervorstellung profitieren kann, wie sie die aktuelle Wiederbelebung an der Staatsoper Stuttgart eingeleitet hat. Schon am Anfang mit der stürmischen Ausführung der Ouvertüre und der intensiven melodischen Singbarkeit der ersten Szene konnte man einen perfekten Einblick in alle musikalischen Arbeitsteile erspüren, die dramatisch miteinander verbunden sind. Die 1779er-Oper von Gluck zum Leben zu erwecken, hängt nicht von der Einstellung eines historisch spezialisierten Orchesters ab, aber unter Stefano Montanaris präzisem und kompetentem Dirigat haben das Staatsorchester Stuttgart und der Chor der Staatsoper einen Großteil der Aufführung mit erstaunlicher Energie bewältigt. Der italienische Dirigent zeigte ein ausgeprägtes Theatergefühl und eine musikalische Persönlichkeit als Darsteller von bemerkenswertem Niveau.

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Die Besetzung dieser Aufführung war auch wirklich hervorragend. Die amerikanische Sopranistin Amanda Majeski interpretierte Iphigénie mit einer hellen, durchdringenden Stimme und einer einprägsamen Deklamation in allen Nuancen der Phrasierung. Ihre war eine subtile, unauffällig wachsame Interpretation, bei der alle dramatischen Elemente, wie es Gluck fordert, eins zu sein schienen. Ihr Alter Ego, die alte Schauspielerin Renate Jett, ergänzte sich in der Tat zu einer wirkungsvollen Wirkung. Intensiv und bewegend war das Porträt von Oreste, präsentiert von Jarrett Ott, einem jungen Bariton, der sich zu einer der vielversprechendsten Stimmen im Ensemble der Staatsoper entwickelt. Der Pilade von dem Tenor Elmar Gilbertsson verkörpert war sowohl stimmlich als auch szenisch sehr effektiv. Der Bariton Gezim Myshketa hat der grausamen Figur des Tyrannen Thoas eine große stimmliche und dramatische Kraft verliehen. Die Leistung aller kleinen Rollen war ebenfalls exzellent. Absolut triumphaler Erfolg, mit großem Applaus für das gesamte Ensemble.

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