Interpretare il Lied – “Nur wer die Sehnsucht kennt” op. 62 N°4 di Franz Schubert

Ritorniamo ancora una volta ad occuparci di interpretazione liederistica comparata, un tema che su questo sito sto portando avanti da anni, occupandoci del quarto brano dalla raccolta Vier Gesänge aus Wilhelm Meister di Franz Schubert, pubblicata dall’ editore Diabelli nel 1827 come op. 62 (D.877 secondo il catalogo Deutsch) composta un anno prima e che rappresenta l’ ultimo contatto del compositore con la poesia di Wolfgang Goethe, autore che Schubert adorava e del quale aveva musicato numerosissimi testi a partire dal 1815. La figura di Mignon è una tra le più affascinanti del romanzo Wilhelm Meisters Lehrjahre e i testi canti da lei intonati hanno ispirato decine di compositori. Schubert se ne occupò diverse volte nel corso della sua vita artistica e il quarto brano della raccolta op. 62, in origine concepito quale duetto con tenore, trasformato in Lied a voce sola sul materiale tematico di un’ altra composizione (Ins stille Land) e già musicato con altra melodia per coro maschile a cappella (D. 656) è uno fra i più affascinanti ritratti ritratti dell’ animo femminile che costituiscono un tema ricorrente nella produzione liederistica schubertiana. Ecco il testo della celebre poesia goethiana:

Nur wer die Sehnsucht kennt
weiß, was ich leide:
Allein und abgetrennt
von aller Freude,
seh’ ich ans Firmament
nach jener Seite.
Ach: der mich liebt und kennt,
ist in der Weite!
Es schwindelt mir, es brennt.
mein Eingeweite.
Nur wer die Sehnsucht kennt
weiß, was ich leide

Di seguito, la versione italiana

Solo chi conosce la nostalgia
sa quello ch’io soffro.
Sola e separata
da tutte le gioie
guardo nel firmamento
verso quella parte.
Ah! Chi mi ama e conosce
è lontano.
Mi sento mancare,
le mie viscere bruciano.
Solo chi conosce la nostalgia
sa quello ch’io soffro.

(Traduzione di G. V. Amoretti)

Seguendo la consueta impostazione della rubrica, ecco i due contributi critici che ho scelto per illustrare il brano. Iniziamo con una breve analisi di Blair Johnston, tratta dal sito

Johann Wolfgang von Goethe’s famous novel Wilhelm Meister is full of richly drawn and thoroughly compelling characterizations, but it is really the tragic Mignon that best plays the strings of the reader’s heart. Mignon is full of song (not happy song), and such is the beauty of the lyric verses that Goethe provides for her to sing that Franz Schubert was inspired to set them to music time and time again. In 1827, publisher Antonio Diabelli released four of these “Mignon Songs” as Schubert’s Opus 62 (now cataloged as D. 877), calling them “Gesänge aus Wilhelm Meister von Goethe.” The last song in the group is a setting of the poem “Nur wer die Sehnsucht kennt” (and the first song of the group also sets the same text). Like the other three songs of the opus, it was probably composed during January 1826 — as fate would have it, these four lieder are the last settings of Goethe’s words that Schubert would ever make.

Nur wer die Sehnsucht kennt (“Only he who knows what yearning is”), D. 877/4, rolls forth in a sad 6/8 time. The poem is in one continuous stanza, and Schubert allows his material to appear more or less continuously, only recalling the material of the singer’s opening melody when the text itself is repeated at the end. There is a real pang to the B flat octaves that mark both the introduction and the final instrumental postlude — Mignon tells us of her great loneliness, but it is the solo piano that seems to explore most deeply the painful, and in this case dissonant, reality of solitude.

In all, Schubert made five settings of “Nur wer die Sehnsucht kennt”; this setting and D. 877/1, the other setting of the poem included in Op. 62, are probably the best-known and certainly the finest. Better known than either of these, however, is the setting of the poem that Tchaikovsky made many decades later, known by the English title “None but the Lonely Heart.”

Questa invece è un’ accurata analisi musicale e testuale del brano, tratta da una tesi discussa dalla cantante canadese Akacia Doktorchik come parte dei suoi lavori per il Master of Music alla University of Lethbridge.

The last setting in Schubert’s Opus 62 is the Mignon’s solo performance of “Nur wer die Sehnsucht kennt”. Though identical to the text of the duet between Mignon and the Harper, it is Mignon’s voice alone that is heard in this last setting. The yearning she feels for Wilhelm is expressed through the haunting melody that opens and closes her song, and the unstable harmonies heard throughout the song convey her inner suffering. The six-bar prelude for the piano begins in A minor with a simple melody that ascends in a step-wise motion and then descends in stages accentuating Mignon’s ever rising and falling emotions that are always so close to the surface. Her longing for Wilhelm conveyed in the prelude is shown first in bar 3 with a flat 2 scale degree accented in octaves in the treble and echoed in the middle voice.
When the voice enters, Schubert further emphasizes Mignon’s emotions through chromatic harmony and modulation that is first discovered on the word “Sehnsucht” in bar 8. The D sharp (raised fourth degree) in the broken chord of the right hand, which was previously heard in the prelude, highlights Mignon’s angst at the first mention of the word “Sehnsucht”.

The music subsequently modulates into the relative major key of C on “leide” at bar 14. The major tonality coupled with the word “leide” (suffering) may suggest Mignon’s longing for release and hope that soon her misery will end. With Mignon’s mention of isolation and loneliness, Schubert shifts to C minor and continues on with tonicizations of G minor (bar 18) and D minor (bar 20) when Mignon speaks of her desire for distant lands. This alienation is further suggested through Schubert’s cleverly scored accompaniment; the preceding broken arpeggios abruptly cease and in their place we hear pianissimo syncopated block chords. The austere chords accentuate the words “allein und abgetrennt” (alone and separated) and continue under Mignon’s rising vocal line as she proclaims her faith to the heavens. A solitary bar of triple pianissimo chords leads to the sparsely accompanied statement ‘ach, der mich liebt und kennt’, ist in der Weite’ (ah, the one who knows and loves me if far away) that is full of intense longing. This brief
moment, with its sehr leise (very quiet) marking, diminuendo at bar 25 and off-beat chords in the right hand gives a feel of momentary suspension at which time Mignon is barely containing her emotions (Ex. 21, bar 22-26). Furthermore, the extreme spacing between the bass and treble parallels the character’s thoughts of the vast distance between her and Wilhelm. Her memory of the distant lands brings us back to the tonic, but just as suddenly we are pulled away through a series of repeated diminished chords in the accompaniment as Mignon declares the torture she feels inside her. These sextuplets and triplets in the treble clef are accented by an ominous bass that ascends chromatically from Bb to E, clearly portraying the inner turmoil that Mignon is describing. The accented 8th notes in the bass create a staggering effect as if Mignon is overcome with pain and suffering at the thought of Wilhelm ever being away from her.

The erratic harmonies, the shift of the accompaniment to sextuplets and triplet figurations and the change of the cantabile vocal line to a recitative depict Mignon’s emotional collapse through these lines. Her growing exhaustion is further illustrated in the short two-bar piano interlude, with its diminuendo marking, sinking treble line which moves to the dominant chord and suspensions in the right hand repeated chords. The opening melody returns and Mignon experiences a last surge of energy during her final phrase. Only the brief crescendo to her repeated word ‘Sehnsucht’ and subsequent sforzando at ‘kennt’ in bar 39 reminds us that she continues to be and will forever remain tormented by her unceasing longing (Ex. 22). Instead of the expected resolution of F to E in bar 39, Mignon’s resignation is shown through the drop in the vocal line from the high F to the A, a sixth below. The closing moments consist of the same six bars that were heard at the opening of the piece, ending with a defeated pianissimo tonic chord.

Concluding Remarks
Schubert’s settings of the Mignon lieder express, with great sensitivity, the seemingly endless Sehnsucht and alienation felt by the young Mignon. For listeners, the melancholic and compelling character of Mignon is brought to life through Schubert’s intimate understanding of both the emotive potential of the human voice and, as shown through these musical analyses, of Mignon’s own powerful emotions. His numerous re-settings of the poems confirm that he longed to give justice to these emotions in the poetry by use of fitting devices that are simultaneously expressive and structural. In performing each of the songs, I came to realize the timelessness of Schubert. His creations, like that of all great artists, lives on in the hearts of not only those who perform and study his art, but also by those who seek only pleasure and enjoyment from his work. Sehnsucht and alienation, while so integral to 19th century Romanticism, are still understood and indeed, powerfully felt in the 21st century. Thus, Schubert’s brilliant perception and uncanny ability to successfully convey Mignon’s longing through these beautiful settings has resulted in centuries of admiration, and a deeply moving musical experience for audiences and performers alike.

(Acacia Doktorchik, Sehnsucht and Alienation in Schubert’s Mignon Settings, Department of Music University of Leithbridge, Alberta, Canada, pp.40-45)

Veniamo adesso agli ascolti proposti per questo articolo. Si tratta di cinque versioni, a mio avviso le più interessanti fra le trenta o quaranta che ho ascoltato durante la preparazione del post. Il Lied di Mignon è un vero e proprio bozzetto di scena teatrale che richiede all’ esecutrice personalità spiccata, doti di fraseggio non comuni e soprattutto la capacità di creare un’ atmosfera. Tutto questo è presente a livelli altissimi nella versione di Elena Gerhardt (1883 – 1961), un’ autentica leggenda dell’ interpretazione liederistica e modello di riferimento per tutta una generazione di cantanti che si dedicarono alla liederistica. La registrazione, insieme al pianista Leo Rosnek, è del 1938.

Rispetto alle leggendarie incisioni acustiche effettuate negli anni Venti con Artur Nikisch, il celebre direttore d’ orchestra con cui la Gerhardt lavorò a lungo e fu legata da una grande amicizia personale, la voce sembra aver perso un po’ in qualità ma la classe dell’ interprete suona intatta. Un’ esecuzione ispirata e ancora di riferimento per la nobiltà dell’ accento e la ricercatezza della dizione,

Il secondo ascolto è dedicato a Teresa Stich-Randall (1927 – 2007), cantante nativa di Hartford nel Connecticut che svolse quasi tutta la sua carriera in Europa, dove fu per 15 anni membro stabile dell’ ensemble alla Wiener Staatsoper e fu anche insignita del titolo di Kammersängerin, oltre ad essere ospite regolare ai festival di Aix-en- Provence e Salzburg. Il suo nome richiama alla mente del discofilo esperto soprattutto la partecipazione a incisioni storiche come il Falstaff di Toscanini, nel ruolo di Nannetta e il Rosenkavalier diretto da Herbert von Karajan per la EMI in cui la Stich-Randall interpreta Sophie. La sua versione è tratta dalla registrazione di un concerto tenuto ad Aix nel 1956 con l’ accompagnamento pianistico di Hans Rosbaud (1895 – 1962), grande direttore e pianista austriaco.

La Stich-Randall, che oltre ad essere una fra le interpreti mozartiane più accreditate della sua epoca era anche una liederista di rango, centra alla perfezione il tono espressivo regalandoci un’ interpretazione davvero esemplare per il tono di angoscia allucinata, la raffinatezza della dizione e il lavoro accuratissimo sulla dinamica perfettamente assecondato dal pianismo di Hans Rosbaud che la accompagna con un’ attenzione e una sintonia di intenti assolutamente straordinarie. Una versione che si presenta oggi come un vero e proprio modello di riferimento.

Il terzo ascolto che ho scelto può essere considerato abbastanza inusuale. Si tratta infatti di un’ esecuzione tratta da un recital liederistico inciso nel 1961 da Birgit Nilsson (1918 – 2005) per la RCA insieme al pianista Leo Traubmann.

Suona forse abbastanza strano sentire la più illustre Brühnhilde e Isolde del dopoguerra impegnata nel repertorio liederistico, ma almeno per me l’ ascolto è stato sorprendente. La Nilsson governa con una maestria tecnica da vera fuoriclasse una voce che suona perfettamente a fuoco in tutti i registri, come sa molto bene chi conosce tutta la sua discografia wagneriana, ma oltre a questo si rivela interprete sensibile e stilisticamente molto notevole, fraseggiando con gusto e una notevole eleganza.

Ascoltiamo adesso la versione di una grande liederista moderna come Christa Ludwig (1924) da un recital pubblicato per la Deutsche Grammophon nel 1974. Il pianista è Irwin Gage, uno fra i nomi più illustri dell’ accompagnamento liederistico.

Si tratta di un disco che quando fu pubblicato ricevette consensi unanimi da parte di tutta la critica internazionale. Io lo comprai quando ero ancora studente e da allora rimane una delle incisioni che per me hanno costituito un modello. La classe della Ludwig come interprete schubertiana si esprime qui ai massimi livelli e la cantante berlinese ci offre un saggio di perfezione tecnica difficilmente eguagliabile, perfettamente in grado di confrontarsi con le grandi voci dell’ epoca storica anche per la scolpitezza e raffinatezza della dizione.

Concludiamo gli ascolti con Waltraud Meier (1956), altra interprete wagneriana illustre della nostra epoca, in una versione tratta da un recital inciso per la RCA  insieme a Gerhard Oppitz e uscito nel 1998.

La cantante di Würzburg esegue con proprietà stilistica, il canto è complessivamente corretto e garbato anche se dal punto di vista interpretativo la sua lettura non dice molto di nuovo dal punto di vista del fraseggio. In ogni caso, un disco che io nel suo insieme riascolto sempre con piacere anche per la bella prova di Gerhard Oppitz, pianista che io apprezzo da molti anni. Con questo, chiudo il post dandovi appuntamento alla prossima puntata.


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